Letzte Woche erschien die dritte Single des kommenden Amber & the moon – Album. Damit spannen Ronja Pöhlmann und Jonathan Riedel nochmal den Bogen weiter über die akzentuierten Folk- und Americana-Anklänge zu eine poetischen Betrachtung der Beziehungen.
Amber & the moon sind eine junge Band aus Hamburg, die aktuell an der Veröffentlichung des zweiten Albums arbeiten. Die bisherigen Singles lassen auf ein konstantes, filigranes und handwerklich feines Werk hoffen – wie wir es auch schon von dem vorhergehenden Album kennen. Ihre Musik setzen dabei eine sparsame Instrumentierung ein, die viel Raum für die Lyrics lässt und deren sensiblen und feinen Sichtungen des Zwischenmenschlichen unterstreicht.
Zum Verständnis der Lyrics erklärte Ronja Pöhlmann: „Our House“ nähert sich behutsam der Idee, dass Geborgenheit manchmal nicht aus einem selbst, sondern aus dem Dasein eines anderen entsteht. Nicht als Rettung, sondern als Spiegel dessen, was man sich selbst gerade nicht geben
kann,“ Und: „Es geht nicht um romantische Idealisierung, sondern darum, sich in einem anderen wiederzufinden, wenn man selbst den Halt verliert.“
Im Zusammenspiel der Stimmen von Ronja und Jonathan scheint es ein Zwiegespräch zu sein, dass sich ergänzt und über die ruhigen, fast zögernd eingeführten Instrumente legte. Alles strahlt eine Ruhe aus, in der sich harmonisch die unterschiedlichsten perkussiven Klänge vereinen. Wie ein Blick in die Weite, über die Felder, in die Zukunft.
Amber & the moon, die vornehmlich als Duo auftreten, wurden bei der Aufnahme von den bekannten Musikern Ben Schadow und Torsten Sdunek unterstützt, die dem Song zu einem dichten Gewand verhalfen.
Im Dritten Teil geht es nun um die herausstechenden Konzerte auf dem North Sea Jazz Festival 2025. Tatsächlich ist das Festival nun schon seit einem Monat vorbei. Zeit genug also, die mitgebrachten Platten und die Fotos zu betrachten. Die in großer Menge vorliegen.
Da auf dem Festival bis zu 16 Konzerte gleichzeitig stattfinden, ist es nahezu unmöglich, alles zu sehen, zu erleben und mitzubekommen. In der Regel versucht man die Acts, die einem neu, interessant oder wichtig erscheinen im Vorfeld zu planen. Sowohl die Homepage, wie auch die Handzettel, die am Eingang gereicht werden, leisten hierbei Hilfestellung.
Ich werde daher nur die wichtigsten und beeindruckendsten Konzert in dürren Worten beschreiben. Man mag mir das verzeihen. Hin und wieder, bei der Besprechung einer Platte, kann dann noch mal die eine oder andere Anekdote einfliessen.
Fangen wir an mit
Nubya Garcia
Nubya Garcia -Tenor Saxophon
Jan Buizer, Mirelys Morgan – Violine
George Dumitriu – Viola
Chieko Donker Duivis – Cello
Lyle Barton – Keyboards
Max Luther – Doublebass
Sam Jones – Schlagzeug
Nubya Garcia gehört zu den aktuell herausragenden Saxophonistinnen im Jazz. Auch auf dem North-Sea-Jazz-Festival war vor allem zu erkennen, wie offen sie mit den Formen und Einflüssen des Jazz umgeht. Sie zeigt sich überrascht, von der sehr positiven Resonanz und Größe des Publikums. Doch angesichts, der charmanten und sympathischen Art, die sehr offen mit dem Thema Erfolg umging, war das kein Wunder. Nubya Garcia ist ohne Frage ein aufstrebendes Talent, von dem man durchaus sagen kann, dass sie die Anerkennung der Szene schon hat. Ihr Name wird fortan zu den Großen gehören.
Aja Monet
Aja Monet – Vocals
Marcus Strickland – Saxophone
Brian Hargrove – Keyboards
Micah Collier – Bass
Zach Morrow – Schlagzeug
Die Kunst der Aja Monet ist die Verbindung von Poesie mit Jazz. Ihre Lyrik gilt in dieser Kombination als wegweisend. Sie sieht sich in der Tradition der großen BeatkünstlerInnen, die ihre Vorträge als Life-Happings gestalteten. Die Verbindung mit Musik war zu jener Zeit nicht untypisch. Hatte heute etwas an Bedeutung verloren, aber Aja Monet greift diese vergangene Tradition wieder auf. Das ist wichtig und gut und sehr eindrucksvoll, aber auch etwas spröde, ernsthaft und nicht immer die leichteste Kost. Trotzdem und vielleicht gerade deshalb etwas, das man gerne mal erlebt haben sollte.
Terri Lyne Carrington – We insist 2025!
Christie Dashiell – vocals
Milena Casado – Trompete
Matthew Stevens – Gitarre
Morgan Guerin – Bass, Saxophone
Terri Lyne Carrington – Schlagzeug
Terry Lyne Carrington ist eine renommierte, experimentierfreudig Jazz-Schlagzeugerin, über die es nicht viel zu sagen gibt, außer das man am Schlagzeug immer den Mut und die Freude habe muss, auch anderen Künstlern eine Plattform zu bieten. Sie tat und tut das. „We insist 2025“ ist ein Konzept, und vor allem eine politische Botschaft, die Terry Lyne Carrington zusammen mit einer Tänzerin zu einem Bühnenprogramm macht, das Jazz mit Protest und weiteren Kunstformen vermengt. „We insist!“ Ist dabei im Grunde eine Aufnahme von Max Roach, ihrem Mentor, aus dem Jahr 1960 im Rahmen der damaligen Protestbewegung, die sie wieder aufgriff, erneuerte und erweiterte. Allein das Vertrauen das Thema wieder aufzunehmen, aber auch darauf aufmerksam zu machen, gebührt Achtung und Respekt.
Norah Jones
Über Norah Jones etwas zu erzählen – das ist lediglich eine Ergänzung zu all den Anekdoten, die es schon gibt. Norah Jones hat jede Anerkennung im Jazz gewonnen, die sie verdient hat, und die möglich ist. Ihre Duette sind legendär. Ihre Hits ebenso. Im Grunde gibt es nichts, was sie falsch machen kann, und das Wagnis, sich nicht auf diese Lorbeeren zurückziehen, sondern auf dem North Sea Jazz Festival vor allem Material aus dem neuen Album zu spielen, war mutig, aber auch richtig. Norah Jones am Piano, weitgehend solo ist ein eine verlässliche Größe und die Entscheidung, dieses Festival für die Vorstellung neuer Songs zu nutzen, war die Richtige. Sie beherrscht das Handwerk, und es bleibt zu sagen, dass nichts enttäuscht, alles aneinander anknüpft und damit einfach funktionierte.
Dora Morelenbaum
Brasilianische Sängerin
Dora Morelenbaum – Vocals, Gitarre, Keyboard
Guilherme Lirio – Gitarre
Guto Wirti – Bass
Daniel Conceição – Schlagzeug
Dora Morelenbaum ist eine brasilianische Sängerin, die einer bekannten Musikerfamilie entstammt. Wer der Geschichte der Musica Populäre Brasileira, aber auch des Bossa Novas kennt, dem ist der Name Morelbaum durchaus geläufig. Der Apfel fällt nicht weit vom Stamm. Als Tochter der Sängerin Paula Morelbaum und des Musikproduzenten und Cellisten Jacques Morelbaum, wuchs sie in einem musikalischen Haushalt auf. Somit scheint es nur naheliegend, dass auch die Tochter sich der Musik widmet. Auf der kleinen Außenbühne, die vorbehalten ist für junge, aufstrebende Talente präsentierte sie ihr Erstlingswerk und wußte zu überzeugen. Dora Morelbaum wirkte professionell, erstaunlich gereift und transportierte die Geschichte der Morenlbaums mit eigenen Werken in die Neuzeit. Frischer, und ungestümer, aber kenntnisreich. Überzeugte so, dass die Platte nun im Regal steht. Aber ich erwarte noch mehr von ihr. Und das wird kommen.
Thee Sacred Souls
Soulgruppe
Josh Lane – Vocals
Sal Samano – Bass
Alex Garcia- Schlagzeug
Thee Sacred Souls wirbeln einen zurück in die große Zeit des Fouls. Mit ihnen wachen die Sechziger und frühen Siebziger wieder auf. Die Show, das Design, der Ausdruck, der Sound sowieso, alles war abgestimmt auf eine Zeit, die die wenigsten von uns erlebt haben, aber die meisten von uns ersehnen. Immerhin fallen einem alle großen Namen ein, wenn man sie hört, und dann schwelgt man. Alles eigenständig, keine Cover, und dennoch eine der authentischen Zeitreisen, die man machen kann. Sie befinden sich bei dem Label, bei dem schon Charles Bradley und Sharon Jones groß wurden, und damit in der richtigen Gesellschaft, um die Fackel und das Erbe weiter zu tragen. Das hat sein Reiz und es war schön sie zu erleben. Man will es ja nicht glauben, wenn man es auf dem Vinyl hört. Aber sie können das, ganz zweifellos und unbedingt.
Ohma Lay
Über Ohma Lay gibt es nicht soviel zu sagen. Nur eine Handvoll Worte. Afrobeat ist in Deutschland nur eine exotische Randerscheinung, die von Hand zu Hand weiter gereicht wird. Die Wissenden können eine Palette Namen aufzählen und hin und wieder verirrt sich einer davon in unsere Gefilde. Die Niederlande feiern sowas jedoch in der größten Halle unter Jubel und singen mit. Ohma Lay, denn ich zu meiner Schande nicht kannte, sorry, räumte auf und ab. Das war eine geradezu sakrale, wilde Show mit vielen Elementen, vollkommen unsichtbaren Musikern und ungenannten Sängerinnen, aber eine Party auf dem Floor. Und von daher: Der Mann hat das schon drauf. Das kann man lassen. Und er hatte Hits, die ich wenigstens mal gehört hatte, aber irgendwie in der Gänze verpasste. Hier , im Mas vom Ahoy, war das fetter, feinster, frecher Afrobeat von der besten Sorte.
Samara Joy
Samara Joy – Vocals
Kendric McCallister – Tenor Saxophon
Jason Charos – Trompete
Donavan Austin – Trombone
Connor Rohrer – Piano
Paul Justin Sikivie – Bass
Evan Sherman -Schlagzeug
Was soll man über Samara Joy noch sagen? Die Frau hat einen Berg Alben herausgebracht, die beweisen, dass sie im Vocal Jazz die wahrscheinlich angesagteste Interpretin der Klassiker ist. Und das in einer Bescheidenheit und Freundlichkeit, die staunen macht. Samara Joy ist die Höflichkeit und Zurückhaltung mit einer gleichzeitigen Größe und dem Können, dass sie in einer Reihe mit ihre Vorbilder stellt. Pefektion und alles was dazu gehört. Keine Ahnung, wie ich das noch ausdrücken kann. Ich hatte sie ein paar Tage zuvor im Tollhaus, Karlsruhe verpasst. Wird mir nicht mehr passieren.
Béla Fleck/Edmar Castaneda/Antonio Sanchez
Béla Fleck – Banjo
Edmar Castaneda – Harfe
Antonio Sanchez – Schlagzeug
Wenn man von dem weltbesten Banjospieler spricht, dann fällt der Name Bela Fleck. Und das nicht zu Unrecht. Bela Fleck gilt als bescheiden, und zurückhaltend. Daher beweist er seine Fähigkeiten eher damit, dass er immer wieder neue Kooperationen und Sessions mit ganz anderen Musikern wagt. Das Konzert im North Sea Jazz Festival zeigt einmal mehr, welche Möglichkeiten das Banjo bietet, wenn es Bela Fleck spielt. Ursprünglich im Bluegrass beheimatet, schreckt er nicht davor zurück, auch Jazz- und Klassikstücke einzuspielen. In der Kombination mit Edmar Castaneda an der Harfe und Antonio Sanchez am Schlagzeug zeigten die drei Musiker, was möglich ist, wenn man die bekannten Pfade verlässt. Auch Edmar Castaneda ging dabei mit der Harfe weiter als man vermutet hätte. Ein ungewöhnliches, faszinierendes Konzert.
Amsterdam Funk Orchestra
Lilian Vieira – Vocal
Babette Jane, Matthijs Klinkert – Alt-Saxophon
Efraïm Trujillo – Saxophone
Jiri Rutten, Pablo de Haas – Tenor- Saxophone
Annette Greeuw de – Baritone-Saxophone
Coen Hamelink, Leia Lin, Leo Alleman, Luc Stakenborg – Trompete
Lucas Figueiredo Santana – Leitung, Flöte
Arjan van Zuuk, Ody Delis, Ron van Twuijver, Siûrd Bartstra – Trombone
Ivo Meijer – Gitarre
Jina Sumedi – Keyboards
Corné Los – Bass
Lucas Roorda – Schlagzeug
Bart Dijkstra, Mohan Chandie Shaw – Percussion
Das Amsterdam Funk Orchestra ist sowas wie ein Hoffnungsträger. Bei lokalen Acts, die aus den Niederlanden stammen, hat das North Sea Jazz Festival ein gutes Händchen und versucht das internationale Niveau zu halten. Insofern darf man neugierig sein, und sollte es nicht unterschätzen, denn wer dort auftritt, hat es verdient. Das Amsterdam Funk Orchestra kam dabei in großer Stärke auf die kleine Frei-Bühne und füllte sie, sowohl vom Sound, wie auch von der Anzahl ihrer Musiker vollkommen aus. Da ihr aktuelles Album stark vom brasilianischen Sound beeinflusst ist, stand dieser – mit allen afrikanischen Einflüssen – im Vordergrund. Und was die Musiker dabei ablieferten, konnte sich sehen und hören lassen. Fette, satte Sounds, funkige Grooves, knackige Beats und die passende Gesangsleistung von Lilian Viera. Das Amsterdam Funk Orchestra war eher eine zufällige Entdeckung. Ich hatte sie nicht auf dem Schirm, da sie mir bisher unbekannt waren. Sind sie nun nicht mehr. Gute Leute. Tolles Konzert. Darf man nicht übersehen.
Badi Assad und Anna Trea am 07.08.2025 im Tollhaus Karlsruhe
Das Treffen zweier Generationen. Anna Trea und Badi Assad gelten beide als bekannte Vertreterinnen der brasilianischen, aktuellen Musik. Nun ist die brasilianische Musik eine der reichhaltigsten der Welt und geschätzt ist die Zahl derjenigen, die öffentlich auftreten, singen oder in Brasilien ein Instrument beherrschen beinahe unendlich. Der Strom der Talente ist faszinierenden und kommt nur in Bruchstücken in Europa an.
Die Karriere von Badi Assad darf sowohl in ihrer Virtuosität, wie auch in ihrer Bedeutung als herausragend gelten. In der Vergangenheit gab es zum Beispiel Zusammenarbeiten mit Larry Coryell, die vor allem ihre Leistung als Gitarristin in den Vordergrund stellte. Anna Trea, die im Tollhaus das dritte gemeinsame Konzert auf der aktuellen Tournee, mit Badi Assad bestritt und zum erstenmal in Deutschland unterwegs war, nannte Badi als eine der Gründe, warum sie überhaupt zur Musik kam. Anna Trea, vor allem tänzerisch ungestüm und mutig, sowie charmant, unterstütze Badi Assad sowohl am Bass, wie im Gesang.
Gemeinsam ist ihnen das Spiel mit Tönen, Lauten, Geräuschen der Vögel, des Waldes und der kompletten Fauna. Sie benutzen ihre Körper für Percussion, produzieren mit ihnen einen Rhythmus, den sie mit ihrem Gitarrenspiel begleiten, und dem Gesang veredeln. Unterschiedliche Temperamente, gemeinsam im Spiel vereint. Es trennen sie zwanzig Jahre, doch harmonierten sie als wären sie für einander bestimmt.
Aufgeteilt in einen gemeinsamen Teil, einem Solopart von jeweils drei Stücken für jede für von ihnen um wieder zu einem gemeinsamen Abschluss zusammen zu kommen. Anna Trea, die vor einem ihr unbekannten Publikum auftrat, konnte mit Witz und einer entwaffnenden Ehrlichkeit alle für sich gewinnen, ins Portugiesische einführen, und eine Spannbreite ihres Könnens, so überzeugend präsentieren, dass einem Wiedersehen nichts entgegenstehen wird.
Alles allem, war es ein leichtfüßiges, swingendes, von entspannter Lässigkeit geprägten Konzert. Badi Assads Spielweise und Vortrag beinhaltet eine bewundernswerte Professionalität, in der ihr Anna Trea in nichts nachstand. Sie ergänzten sich, unterstützen sich, hatten eine ansteckende Spielfreude und damit ein Experiment vollbracht, das als Duo ganz ausgezeichnet funktionierte. Anna Trea spielte dabei die Rolle, des solistisch begabten Bassisten, während Badi Assad an einer kunstvoll gefertigten Gitarre mit leichter Hand Melodien formte, die von dem Schatz der brasilianischen Musik erzählten.
In der Authenzität empfehlenswert. Und eine gute Lehrstunde über das Vermögen, dass zwei Talente in ihrer Zusammenarbeit fördern können. Anna Trea sollte man sich merken, Badi Assad sowieso.
Ich habe einen kleinen Stoss Singles bei Dixigas-Records gekauft. Gehen wir den Kram mal schnell durch, weil‘s im Moment richtig Spaß macht, so nostalgisch unterwegs zu sein. Länger und daher zwei Teile.
Jona Lewie – Stop the Cavalry
Stiff war mal ein richtungsweisendes Label in den Punk/New Wave Jahren. Wer wissen wollte, was passiert, der achtete darauf, was bei Stiff herauskam.
Jona Lewie war dabei geradezu brav. Kam wie ein Volkslied daher, scheinbar für Weihnachten, oder zumindesten für den Adventskalender gemacht. Ein kleiner Hit für den Frieden, und alles was sonst noch zählt. Nicht unangenehm und die Stimme von Jona Lewie war folkig genug, um allen zu gefallen.
„Laughing tonight“ schließt da etwas an, klingt nach Akkordeon, bleibt in der Volksmusik und sehr erdig. Schräg genug, um noch Indie zu sein, aber so schnell vorbei, dass der Verdacht eines Lückenfüllers bestehen bleibt.
Cock Robin – Tonight you were on my side
Cock Robin hatten mal einen Hit, der durchaus heute noch rumschwirrt. „When you Heart is Weak“ kennt jeder. Diese Single wollte daran anschließen, war dann aber doch etwas bemüht, und zu sehr am Erstling dran, um etwas zu bewegen. Klingt fast so ähnlich. Hat schöne Stimmen, aber zuviel Bemühen, einen Tempowechsel wie ans Ufer schwappende Wellen, die Ernsthaftigkeit und Dramatik vermitteln wollen. Cock Robin hatten schon sehr sentimentale und good inszenierte Cover-Fotos mit Band-Mitgliedern, die tiefsinnig irgendwo außerhalb des Fotos ihre Blickrichtung hatten.
Dementensprechend nennt sich die B-Seite dann auch bedeutungschwanger „Peace on Earth“, drosselt noch mal alles runter, bleibt verhalten und eine Ballade, die viel sein will, aber auf dem Album vermieden wurde, um hier nicht zu schaden. Mehr gibt es leider auch nach all den Jahren nicht zu sagen.
Terence Trent D‘Arby – Sign your Name
Terence Trent D‘Arby wurde damals der neue Prince genannt. Das war er wohl eher nicht. Auch nicht der neue James Brown. Und welche Vergleiche bemüht wurden. Dennoch, sein erstes Album hatte einige beachtliche Kompositionen, die die reinsten Ohrschmeichler waren, und mit leichten Schritten daher kamen. Terence Trent D’Arby hatte damals eine angenehme, gefühlvolle Stimme, die im Soul daheim war, und sowohl rau, wie liebevoll daher kam. Auf der B-Seite reizt er das Tempo mit „Greasy Chicken“ auch entsprechend aus. Funkier, fetter, mit einem Bläser- und Bass-Sound, der mehr an der Show interessiert ist. Live und Verheißung auf viel. Irgendwie hätte da noch eine Menge kommen können.
Cock Robin – Just around the Corner
„Just around the Corner“ hatte sich damals den Charts angenähert. War von der Tragik aller Werke von Cock Robin angetrieben, aber im Duett und Zwiegspräch eine Möglichkeit an „When your Heart is weak“ anzuknüpfen. Aber öffentlich tat sich danach nicht mehr viel, obwohl der Sound satter, voller, die Gitarren stärker und energischer in den Vordergrund traten. Cock Robin hatten eine Menge Potential, aber auch viel Weltschmerz in Stimme und Komposition. Für den Sommer nur bedingt geeignet. Eher für weite Nebelwanderungen im Herbst.
Die B-Seite kommt da schon beschwingter. Geradezu entschlossen als tanzbarer Popsong, der seinen Einlass zu fordert. Endlich konsequent am Tempo haftend. „Open Book“ überlässt den männlichen Stimmen nur Raum für den Chor. Und will vorankommen. In den Achtzigern Jahren hätten Cock Robin auch mit einem anderen Image vielleicht eine Chance gehabt. Kein Hit, der sich schamhaft versteckt hat, aber Drums, die man ihnen nicht zugetraut hätte.
The Style Council -The Walls came tumbeling down
The Style Council standen für vieles. Für die Mods, die Liebe zum Soul, dem breit ausgelegten Sound, der lauten Orgel, der dicken Band und dem tiefen Verständnis, was man in einer Zeit wie in den Achtzigern auch machen kann. Paul Weller war immer so etwas wie der intellektuelle Epigone des guten Pop und cleveren Songwritings. Das ganze Projekt Style Council war durchdacht und stimmig. In dem aufkommenden Pop-Jazz, der später im Acid Jazz mündete, gehörten sie zur Avantgarde und vereinten die Moderne mit einer wohligen Nostalgie. „The Walls came tumbeling down“ vermittelte den richtigen Grad der Aufgeregtheit.
„The Whole Point II“ war dagegen ein verspieltes, kleines Machwerk, das leicht angejazzt Latin-Rhythmen filigran und zurückgelehnt darbot. Zeigte, was noch kommen konnte, wo die Möglichkeiten lagen. Die Truppe um Style Council war immer auf einen All-Star-Status ausgelegt. Die Namen, die damals schon auf den Singles standen : Helen Turner, Mick Talbot, D.C.Lee prägten für die nächsten Jahre die englische Soulszene mit.
Ben Liebrand – Move to the Bigband (Feat. Tony Scott)
Eine Zeitlang war Ben Liebrand überall und mixte alles zurecht, was sich vor und während seinen besten Jahre in den Charts herum trieb. Ben Liebrand reizte Donna Summers „I feel love“ auf über eine Viertelstunde aus, und ging ähnlich umtriebig an alles mögliche ran. „Move to the Bigband“ nutzte einen tiefen, swingenden Sound, um ihn mit einem zeitgenössischen Rap zu versehen, der gewichtig daher kam. Das war, als Jazz noch nicht die Grundlage für Rap sein durfte, fast neu und innovativ. Heutzutage klingt es gealtert und bei weitem nicht so, wie ich erwartet hatte, als ich die Single zur Hand nahm.
Die B-Seite geht das noch mal instrumental an. Man sparte sich damals gerne die Erfordernisse einer eigenen Nummer, spendete den Remixern Material, und wer sich im Djing versuchen wollte, der konnte die Single ja zweimal kaufen und gegeneinander und umeinander so oft spielen, bis sie für einen Club-Abend reichte. Ben Liebrand kannte seine Kunden. Heute, Jahre später ist die B-Seite mit ihrem funky Bass und Wabber-Keyboard angenehmer als die Rap-Version der A-Seite. Ernsthaft.
Shona – Élodie, mon reve
Französisch, jenseits vom Chanson, im Pop angesiedelt, mit aller Dramatik, Steigerung und Wichtigkeit. Shona hat den zeitgenössischen Haarschnitt, die Stimme, die kraftvoll die Wirkung hervorhebt, und im Hintergrund sind auch alle Effekte, Keyboards und Percussions angesiedelt, mit denen man den Song in den Vordergrund spielen wollte.
Nach all den Jahren sehr gebunden an den damaligen Zeitgeschmack, den auch die B-Seite wieder gibt, und bleibt damit irgendwo in der Masse ähnlicher Singles aus den Jahren hängen. Interessant ist, wie sehr man zu jener Zeit versucht hat, die Mode (breite Schultern, kurzer Haarschnitt, schwarzweiß, zurückhaltendes Schriftdesign aus zwei Typen) auf dem kleinen Cover abzubilden. Das sind die Achtziger.
Cosa Rosa – Riesenrad
Ich musste googeln, um festzustellen, dass Cosa Rosa leider schon 1991 verstorben ist. Cosa Rosa war ein verheißungsvolles Projekt aus dem Umfeld der ehemaligen Nina Hagen Band, die sich nach der Trennung Spliff nannten und eigene Wege gingen. Das war damals eine Art Kreativpool um Herwig Mitteregger und Reinhold Heil.
Sie hatte damals erstaunlich viele Vorschusslorbeeren und eine gute Presse, die ihr gutes Songmaterial, eine Menge Talent und entsprechend vielseitige Mitmusiker bescheinigten. Auf der Single kommt nochmal der typische Sound der Jahre, die Studioarbeit der genannten Musiker und ihre Ausdruckskraft zum Tragen. Cosa Rosa hätte in diesem Konzept eine vielfältige Möglichkeit zwischen Chanson, Jazz und Rock gehabt. Eine Coolness, die die deutschen Wellen überlebt hätte.
Alvin Starust – Feels Like Buddy Holly
Er war immer so etwas wie der Rock’n’Roller, der zu spät kam, und sich dafür zwischen der Glitter-Band und Slade herumtrieb. War nicht seine Richtung, daher sah er zwar aus wie ein aus der Zeit gefallener Ted, hätte in den Pub an der Ecke gepasst, aber ließ deswegen wahrscheinlich auch immer wieder den Mythos des Rock’n’Roll aufleben. „Feels Like Buddy Holly“ ist eine Ballade, die auch für seine Verhältnisse ausgesprochen schmusig war, aber immerhin sich den Charts annähern konnte. Kannte man seine frühen und durchaus etwas wilderen Hits, dann war das der Kompromiss, der fürs Alterswerk notwendig war. Hat übrigens Mike Batt geschrieben, der später monumentales wie den „Ride to Agadir“ veröffentlicht hat.
Die B-Seite ist mehr als ein Kompromiss. Eher eine Anbiederung an einen Synthie-Zeitgeist, der in einer verlassenen Discothek am Rande von Nirgendwo aufgenommen wurde. Oder so.
Dalbello – Gonna get close to you
Dalbello ist in Vergessenheit geraten. Dabei handelte es sich um eine der außergewöhnlichsten Erscheinungen und Stimmen ihrer Zeit. Ihre Stimme konnte gurren, schnurren, schreien, sich in den Vordergrund drängen und flüstern. Ihre Songs waren angelegt darauf, edel, dicht und vielseitig zu wirken. Das waren kleine Opern, die alle Varianten ihres Stimmvolumens bieten wollten. Sehr Keyboard- und Drumlastig, immer bereit, mit den dicken, lauten Gitarren zum Banger zu werden. Singles, die wie ganze Alben wirken wollten. So auch dieses Stück, das ihre Stimme ausreizte, und ihr damals den Boden für eine Karriere legen wollte.
Auch die B-Seite zeigt eine sehr saubere Produktion, die ihr auf den Leib und ihre gesanglichen Qualitäten geschrieben wurden. Keyboards wie ein ganzes Orchester, über das sie spricht, erzählt, summt und singt. Dabei mit einem Timbre, das zwischen tief und hoch scheinbar spielend wechselt. Mit Dalbello kann man sich gerne nochmal befassen.
Tonspur ist eine kleine Reihe, die in kurzen und knappen Beschreibungen (maximal 200 Wörter) sich mit den Alben befasst, die ich im Laufe des Tages anhöre. Sie folgt damit keinem Genre und keiner Reihenfolge. Ist lediglich nummeriert
